La représentation du diable et de l'enfer
Introduction :
« C'est par moi que L’on va dans la cité des pleurs,
« C'est par moi que L’on va dans le champ des douleurs,
« C'est par moi que L’on va chez la race damnée. […]
« Vous qui passez mon seuil, laissez là l’espérance. »
(Extrait de la Divine comédie de Dante, l'enfer, chant 3)
Au 7e siècle avant JC débute la rédaction de la bible et avec elle la création de symboles forts tel que l’enfer, le diable et le paradis.
Progressivement, la religion prend plus de place au sein de la société et ces images deviennent de plus en plus présentes au point d’effrayer les croyants, d’agir comme un frein aux péchés et de les détourner du mal. Le but étant bien évidemment de susciter l’horreur chez eux afin de contrôler le comportement de la société. 
Cependant l’image du diable et de l’enfer évolue au cours du temps. Au 17e siècle on assiste à une dédiabolisation de l’image infernal. Cela est notamment dû à l’évolution des mœurs et l’anticléricalisme naissant de l’époque. Certain pays, notamment colonisées, vivront par la suite ce qu’on appellera “sursaut” puritain. Mais pour l’espace européen, c’est durant le dixième siècle que l’on se dirige véritablement vers la disparition de l’image infernal telle qu’elle avait été héritée de l’époque paléochrétienne ou Moyenâgeuse. Cette évolution est aussi dû à l’émergence entre le 17e et 18e siècle du gothique anglais dans la littérature, avec des auteurs comme Marie Shelley qui influencent beaucoup la vision du diable et des enfers.  Ou encore grâce à des œuvre telles que le Paradis Perdus de Milton que nous évoquerons. Toutefois, l’évolution des représentations des images infernales est en premier lieu marquée par Dante et sa Divine comédie qui va reprendre ces éléments et les transformer : Tout d'abord qu'est-ce que le diable ? 
Le diable est représenté dans plusieurs religions, diabolus veut dire diviser, c'est celui qui suscite le mal, la tentation, le péché, il en existe plusieurs que nous allons citer : Satan, Lucifer, Belzébuth, Méphistophélès, Baal, Sheitan, Samaël, Le Cornu, et Légion. Ils sont tous plus ou moins représentés avec des cornes, une queue, un rictus diabolique, rouge ou noir. Les représentations évoluent à partir du néoclassicisme pour devenir plus fantaisiste, on l'utilise pour créer un imaginaire. Enfin il prendra les traits d'une femme ou d'un homme avec un réalisme certain. 
Il convient ensuite de parler de l'enfer. A l’époque Antique, il était plus correct d’employer les termes D’enfers aux pluriels, cependant avec la disparition du polythéisme, il n’existe plus qu’un enfer, aussi bien pour les religieux que pour les athées. Puis on revient à un pluriel, toujours grâce à Dante qui évoquent les enfers comme une succession de cercle et non un même et seul lieu. Les définitions évoluent donc avec le temps tout comme leurs représentations. L’enfer est le plus souvent défini comme le lieu de résidence du diable, c'est là où les pécheurs sont emmenés après la pesée des âmes, il s'oppose au paradis, les artistes vont l'interpréter, l'imaginer, et par la suite, le transformer, le renouveler en un lieu lumineux, non plus craint par les hommes, cela devient un au-delà non plus une punition.
L’analyse portera sur des sculptures, de la peinture et de la gravure, cet art qui servait à l'origine à reproduire et diffuser des tableaux est devenu un support incontournable pour représenter le diable, en effet, le papier noir donne aux figures du diable une représentation fantastique, sinistre, lugubre et intensifie sa représentation, on utilise plus la gravure pour représenter mais présenter un art nouveau. Il s’agira de se demander de quelle manière la nouvelle perception et une décontextualisation religieuse de l'image du diable et de l'enfer est-elle traitée ? 
Nous verrons dans un premier temps de quelle manière s’effectue la réinterprétation des images des enfers et du diable puis dans un deuxième temps il s’agira d’observer des mœurs qui se libèrent avec une nouvelle perception : le romantisme noir

Problématique :
Une nouvelle perception et une décontextualisation religieuse de l'image du diable et de l'enfer. 
Plan : 
I La réinterprétation des enfers et du diable
A) Les enfers :  une représentation de Dante
B) Les représentations du diable et l'assimilation du diable aux femmes
II Des mœurs qui se libèrent : une nouvelle perception : le romantisme noir
A) Un enfer paradisiaque
B) Dali et sa vision des enfers
C) L'humanisation du diable

Ranihei
I La réinterprétation des enfers et du diable
A) Les enfers, une représentation de Dante
Citation de Théophile Gautier " L'artiste a inventé le climat de l'enfer, les montagnes souterraines, l'atmosphère brune où jamais le soleil n'a lui, et qu'éclairent les réverbérations du feu central, les fleuves épais, semblables à des courants de lave, et pour le cercle froid, un Spitzberg infernal, plus gelé que celui où le mercure se fige et dont la glace brûle les mains comme un fer rouge."
Dante est un poète, écrivain et homme politique florentin, né en 1265 et mort en 1321. Il rédige la Divine Comédie, qui créa tout à la fois la langue et la poésie italienne car jusque-là, on n'avait écrit qu'en latin.
Il est l'un des pères fondateurs de la langue italienne et l’auteur d’un des plus grands chefs-d’œuvre de la littérature mondiale : « La Divine Comédie ». Il commença sa rédaction en 1306 jusqu’à sa mort
Dans son ouvrage, Dante semble s'être égaré dans un désert près de Jérusalem ; il est introduit dans l'empire des ombres, et Virgile s'offre à l'y conduire. 
Dante représente l'enfer comme un vaste entonnoir composé de cercles concentriques, une série d'abîmes où le poète distribue des places à la foule ignoble des méchants, aux héros du paganisme et à ses ennemis. La Divine Comédie, et surtout les chants de l'Enfer, furent l'arme et la vengeance de Dante par rapport aux Florentins. 
Le poème de Dante est divisé en cent chants, de chacun cent trente ou cent quarante vers. Le premier chant est une sorte d'introduction ; ensuite : l'Enfer, le Purgatoire et le Paradis occupent chacun trente-trois chants. Suivant l'expression d'un auteur, la Divine Comédie est l'encyclopédie du XIVe siècle ; elle excita un enthousiasme tel, que dans plusieurs villes on établit des chaires pour l'expliquer.

William Bouguereau (1825-1905) Dante et Virgile 1850
C'est un peintre français représentatif de la peinture académique. Après ses deux tentatives d'avoir le Prix de Rome en 1848 et 1849, Bouguereau a soif de revanche. Après son œuvre "Egalité devant la mort" en (1849) il reprend encore un thème sinistre. Il montre au public un tableau encore plus monumental dont il puise l'inspiration dans l'œuvre de Dante. Le tableau s'inspire d'un court épisode du huitième cercle de L'Enfer (l’épisode portant sur les falsificateurs et les faux-monnayeurs). Dante et Virgile, assistent au combat entre deux âmes damnées : Capocchio, un hérétique et alchimiste, mordu au cou par Gianni Schicchi, qui avait auparavant usurpé l'identité d'un homme déjà mort pour détourner son héritage.
Le critique et poète Théophile Gautier dont nous avons cité un poème précédemment dit de cette œuvre que : "Le Gianni Schicchi se jette sur le Capocchio, son rival, avec une furie étrange, et il s'établit entre les deux combattants une lutte de muscles, de nerfs, de tendons, de dentelés dont M. Bouguereau est sorti à son honneur. Il y a dans cette toile de l'âpreté et de la force, - la force, qualité rare" 
 En effet, nous nous inscrivons purement dans la période néoclassique avec l'exacerbation des musculatures, allant jusqu'à la déformation expressive, une outrance des postures, un contraste des coloris et des ombres. Tout, dans ce tableau, vise à susciter un sentiment de terribilité et d'horreur.

"Porte de l'Enfer d'Auguste Rodin".  
L'un des plus grands sculpteurs français, considéré comme un des pères de la sculpture moderne, il créé un art réaliste mêlant le romantisme et l'impressionnisme.
En 1880, Rodin reçoit une commande de l'Etat pour concevoir l'entrée du futur musée des Arts décoratifs de Paris. Il lui faudra des années de recherches pour échafauder La Porte de l'Enfer, une sculpture monumentale de six mètres sur quatre qui va devenir rapidement le projet de sa vie. A cette époque, le musée des Arts décoratifs de Paris est en construction à l'emplacement de l'actuel Palais d'Orsay. Le sous-secrétaire d'Etat aux beaux-arts lui demande un « modèle d'une porte décorative » ornée de « bas-reliefs représentant La Divine Comédie de Dante. Fasciné par la première partie du poème consacrée à l'Enfer – et en réponse à La Porte du Paradis du sculpteur italien Lorenzo Ghiberti qui s'inspirait, elle aussi, du voyage dantesque – Rodin décide de façonner une Porte de l’Enfer.
À partir de ses dessins, il façonne des vantaux moins compartimentés et entremêlés de moulures. Il imagine trois figures principales pour dominer sa porte : le Penseur (qui sera considérée plus tard comme une image de Dante lui-même), le Baiser (inspiré de Paolo et Francesca, les amants condamnés à l'enfer que Dante rencontre dans le cercle de la luxure) et le groupe d'Ugolin (Ugolin était un ancien tyran de Pise damné pour avoir trahi sa cité et dévoré ses enfants). D'autres groupes sont imaginés autour des thématiques du péché, de la damnation, du châtiment et des souffrances causées par les sentiments humains. De plus en plus, Rodin s'attarde sur les expressions de ses figures qui deviennent plus complexes.

Léa
"La Barque de Dante Delacroix"
C'est un des premiers tableaux d'Eugène Delacroix. Daté et signé de 1822, Cette œuvre sera exposée au salon. Bien que cette toile soit sujette à critique, l'état l'acquiert aussitôt. C'est dès cette période qu'Adolphe Thiers, jeune avocat et critique d'art, va devenir un fervent défenseur de l'œuvre de Delacroix. Il dira de lui après avoir vu cette toile : « M. Delacroix a reçu le génie. » Il contribuera à la révélation de de la Divine Comédie de Dante, la scène représente la visite aux Enfers de Dante Alighieri accompagné de Virgile, leur passage sur le Styx dans la barque menée par Phlégias, roi des Lapithes. Il s'agit précisément du cinquième cercle de l'Enfer, celui des coléreux condamnés à demeurer dans les eaux boueuses du Styx.
Représentés sur la barque les menant aux enfers, on peut reconnaitre Dante grâce à sa coiffe médiévale rouge et Virgile à sa couronne de laurier, ils occupent le milieu de la composition ; Phlégias est vu de dos, à droite, enveloppé d'une étoffe bleue, maniant le gouvernail. Les deux poètes sont éclairés au centre et des eaux tumultueuses les entourent ainsi que les corps des damnés s'accrochant à la barque, le ciel est sombre et la ville est en feu sur la gauche. C'est une barque prise d'assaut par les damnés, lesquels se rejettent les uns les autres pour y accéder. On remarquera le contraste entre, au fond, la lumière rouge de l'enfer et, au premier plan, la clarté blafarde des corps. Les personnages nus, alignés, ont les yeux écarquillés de peur et le visage déformé par la douleur.
Cette toile annonce l'art tourmenté et lumineux que sera celui de Delacroix tout au long de sa vie. Si l'on perçoit dans le traitement des corps et le choix du sujet l'attachement à l'école classique, que Delacroix lui-même revendiquait, l'on y voit aussi toute la modernité que recèle cette œuvre notamment grâce aux couleurs. Elle est un mélange des deux servant de passerelle entre l'art néoclassique et le futur romantisme.

 "Le Pandémonium (Milton, Paradis Lost), John Martin, 1841"
John Martin est un peintre et graveur anglais de la première moitié du XIXᵉ siècle, il tire souvent son inspiration de la Bible pour peindre ce genre de tableau apocalyptique. Il s'inspire notamment du romantisme.
Le mot de Pandémonium a été créé par Milton (1608-1674) dans son livre Paradis Perdu (1ère édition en 1667). Il dénomme ainsi la capitale de l'enfer crée par Satan (littéralement en Grec, pandémonium signifie "de tous les démons") Satan se tient ici dans la chambre du conseil et préside l'assemblée des démons : il s'agit de la représentation des versets 710 à 719 du livre 1. Comme souvent chez Martin, le tableau fait suite à des gravures, tout comme pour l'aquarelle Le déluge.
Ce tableau de 1841 reprend l'essentiel des compositions des gravures précédentes mais transforme la figure de Satan et l'ensemble architectural. Le pandémonium étant donc le capital de démons, le siège de Satan est représenté de manière très classique, un bâtiment prestigieux, faits de plusieurs partis, possédant une grande colonnade en façade. On retrouve toujours cette idée du néo-classicisme avec le bâtiment d’apparence antique ainsi que la figure de Satan transformé en soldat grec ou romain mais toujours cornes aux casques. On voit que certains codes sont conservés par rapport aux représentation classique de Satan et des Enfers. 
On retrouve ici comme chez les œuvres précédentes des couleurs sombres, parfois agressives avec l’éclair éclatant ou encore le rouge de la lave. Quant au personnage se tenant sur les rochers, lui faisant face, comme dit précédemment peut être une représentation Satan, il lève les bras en signe de défis, de menace pour quiconque contesterait la loi des Enfers. On retrouve également les mêmes techniques que chez Delacroix au niveau du fondu des couleurs l’ensemble est très flou, excepté pour les partis que l’on veut mettre en valeur. Cela donne du mystère, on est confus dans cet univers qui pourtant par d’autre aspect paraît très frontal, d’où l’aspect de contraste comme dans le tableau précédent de Bouguereau. 

B) Les représentations du diable et l'assimilation du diable aux femmes
Après avoir vue une représentation des enfers nous verrons maintenant une représentation du diable 
Marine 
"Eugène Delacroix : Méphistophélès dans les airs"
Eugène Delacroix Faust et Méphistophélès galopant dans la nuit du sabbat"
Le Méphistophélès dans les airs, suspendu au-dessus de la ville plongée dans les ténèbres, est la première lithographie de la série de Delacroix.  L’ange déchu plane sur la ville médiévale, lieu du triomphe de l’argent, des mutations culturelles. Delacroix plante le décor, et la nudité de son Méphistophélès évoque par sa musculature la force de son pouvoir.
Delacroix s’empare d’un mythe qui correspond à la sensibilité du romantisme dont les composantes essentielles sont la nostalgie, la mélancolie, le mal de vivre. 
Nous avons ensuite Faust et Méphistophélès galopant dans la nuit du sabbat, Faust a soif de connaissance, la volonté de conquérir, Méphistophélès est plutôt tourné vers la magie, les tours de passe-passe pendant qu’il reste assujetti à la puissance divine. Méphistophélès met en scène, tire les ficelles, façonne les accessoires, mais n’a aucun pouvoir réel sur Faust. Faust se livre à Méphistophélès tout en le méprisant, tout en ayant la certitude de sa supériorité.
C’est l’histoire d'un savant, Faust, déçu par le paradoxe à laquelle le condamne son art, contractant un pacte avec le Diable, Lucifer, qui met à son service un de ses Esprits, lequel lui procure un serviteur humain, l'étudiant Wagner, -et lui offre une seconde vie, tournée cette fois vers les plaisirs sensibles, au prix de son âme. Dans la plupart des versions populaires du récit fantastique, l’âme de Faust est damnée après sa mort, qui suit une longue période (24 ans précisent certains textes) durant laquelle le Diable a exaucé la plupart de ses vœux. 

"Gravure de Gustave Doré, 1866"
L’un des graveurs les plus connus de l’époque est Gustave Doré, né le 6 janvier 1832 à Strasbourg et mort le 23 janvier 1883 à Paris. C'est un illustrateur, graveur, bédéiste, peintre et sculpteur français. Il a connu la reconnaissance internationale de son vivant.
Certes la gravure est déjà bien connue à l’époque mais les gravures de Doré sont singulières, il représente des sujets jusqu’alors délaissé. Il va ainsi montrer l’apocalypse, son interprétation de l’enfer selon Dante et enfin le diable. Par sa maitrise de la gravure, ses œuvres sont d’une minutie impressionnante et le modèle de ses personnages et présents il nous fait, grâce à des sujets assez sombre et la monochromie qu’impose la gravure, ressentir une atmosphère lourde nous montrant le déclin, soit du monde, soit du diable. Gustave doré choisi de nous monter un diable à la romaine pour les vêtements avec une iconographie démoniaque par les ailes mais il manque ses cornes. 
Mais sur d’autre gravure, le Satan qu’on s’imagine reprend ses traits un homme cornu ailé ici de quatre paires d’ailes rappelant son statut de séraphin, un air colérique et un visage et des cheveux en bataille. 
Il nous faut aussi comprendre que le renouveau et la réutilisation du diable arrive grâce au personnage de Faust. Il est le héros d'un conte populaire allemand ayant rencontré du succès au XVIe siècle, à l'origine de nombreuses réinterprétations.
Goya : artiste préromantique
Cette œuvre qui représente des femmes et des hommes assiss en cercle autour du diable, représenté en animal, une sorte de bouc avec de grandes cornes et une couronne végétale. On peut remarquer que des enfants sont donné en sacrifice au bon comme c’est visible au premier plan avec un enfant maigre et dans le fond avec trois jeunes enfants empalés. Et la tête de la femme du premier plan cache les parties génitales du bouc ce qui pourrait laisser penser à un acte sexuel. La sorcellerie étant connoté négativement, pendant longtemps les hommes pensaient que les sorcières se servaient de ce rituel pour convoquer Satan et comploter contre les hommes. La sorcellerie est un thème récurrent et courant en Espagne

Emma
(Expliquer romantisme noir)
Le cauchemar Johann Heinrich Fussli 1781
Cette toile représente une femme, allongée de tout son long, sa tête tombe légèrement elle est tournée vers nous, elle semble plus évanouie que morte, elle porte un fin vêtement dévoilant ses formes, les soulignant, elle est mise dans la lumière, sa représentation sensuelle nous montre que cette toile s'incarne dans le romantisme, mais il y a un contraste avec ce compagnon du diable nommé cowbolt et inspiré du folklore russe, qui s'assoit sur elle, comme s'il la dominait, il nous regarde de façon frontale bien qu'il soit tourné de 3/4, il est d'une extrême laideur contrairement à la beauté du corps de la femme, cette tête de cheval sors de nul part avec ces yeux luisant dans la pénombre, il s'agit de la monture du diable dans le fond, elle n'a rien à faire là mais elle ajoute un côté étrange, sinistre, effrayant, la toile et nous plonge dans le courant du romantisme noir. Le but est clairement de terroriser le public. Ce romantisme noir est un sous genre du romantisme, il se démarque en représentant des créatures surnaturelles, il fait émaner la folie, et une atmosphère lugubre, angoissante.
Plébiscité par le public, Fussli réalise trois autres versions, il se serait inspiré de contes populaires dans lesquels des femmes endormies reçoivent la visite du diable, ont une relation sexuelle avec lui et se remémorent ensuite l'évènement dans leurs rêves.  Cependant, au dos de la toile apparait le portrait d'Anna Landholdt, qui a refusé la proposition de mariage de Fussli, ainsi l'érotisme teinté de sadisme du tableau pourrait refléter frustration et la déception du peintre.
 1790-1791.
Il reprendra cette toile, peut être moins effrayante car le cheval est mis dans la lumière bien que ces yeux luisant et blanc restent déstabilisants. Cette fois ci les deux bêtes semblent la regarder et elle est dans une position impensable avec une exacerbation de son corps, elle plie son dos, est dans une torsion improbable. Le peintre a compris que ce genre de tableau attrayait le spectateur.

"Le cauchemar de Nicolaï Abraham Abildgaard. (1800)
Nicolaï Abilgaard (1743-1809), est un peintre danois, il appartenait au cercle de Füssli et créa sa propre vision de ce tableau. Dans son Cauchemar, c’est un démon salace qui est assis sur le corps étalé d’une très belle jeune femme cette fois ci nue. On peut apercevoir son fiancé juste à ses côtés et tous les deux dorment d’un sommeil profond. L’ajout d’un ce personnage masculin, lui aussi nu, qui tourne le dos à la victime augmente le côté angoissant de l’œuvre et aussi sa profondeur érotique. Cependant les corps ne sont pas blafards comme pour les œuvres de Fussli, mais les couleurs sont un peu plus chaleureuses, les corps sont colorés, vivants. 

Les diables froids, 1860 Félicien Rops
C'est un artiste belge, peintre, dessinateur et graveur s'encrant dans le symbolisme.
Cette œuvre est une des premières représentations de la femme et du satanisme. Félicien Rops nous montre le diable dans l'ombre avec ces deux grandes ailes le caractérisant, il attrape la femme par la taille, elle semble effrayée, sa nudité amène le côté érotique à cette scène nous inscrit dans le romantisme noir, son visage est dans l'ombre et son corps d'un blanc pur comme pour montrer que le diable est une souillure. Pour autant, la femme a un corps trapu, ses jambes ne sont pas dessinées, son ventre est noir, on n'arrive pas à distinguer les mains du diable. Cela en enlève le côté érotique et intensifie la dramaturgie de la gravure.

 Franz Von Stuck (symboliste et expressionniste) "Le Péché" 1893 (péché de chair 
C'est la représentation de "Ève et le serpent » que l’on retrouve en écho dans la plupart de sa peinture. En effet, par l’étude des peintures de Franz Von Stuck, on remarque que son thème majeur prédominant est celui de la femme fatale. On observe dans sa peinture une certaine obsession pour la femme fatale issue des grandes légendes bibliques et mythologiques. Il sexualiser ces légendes antiques tout en leur conférant un aspect mortifère, il mêle Éros et Thanatos.
Les deux surfaces claires dans le tableau une lumière blanche présente en haut à droite et sur les seins et le ventre de la figure féminine. Cela contraste avec son visage noir mis dans l’ombre. L'esprit de la tentatrice est évoqué avec le serpent et l'idée de la faute originelle venant de la femme. Son corps invite au péché. L'attention se focalise du nombril à ses seins. Elle n'a pas de rondeurs comme pour le précédent tableau, pas de galbe des cuisses, pas de déhanchement sensible. L'idée de péché, de faute, la représentation de Eve dans ce côté malsain, maléfique, est l'exact opposé de sa représentation classique, elle incarne le diable en ce qu'elle est machiavélique. Elle s'affirme, s'assume, contrairement à la précédente femme qui était soumise, ici le mal émane de la femme.
On a enlevé tout le caractère religieux du personnage, elle est fière d'elle, contrairement à Eve qui se cache pour avoir fauté. Le romantisme noir permet une nouvelle représentation du démon, elle représente complètement la décontextualisation religieuse du diable. 

Sarah
Transition : on est donc passé d'un diable commun, avec des attributs que l'on retrouve toujours, à un diable qui s'associe à la femme. L'enfer est représenté grâce à l'œuvre de Dante   dont les artistes se sont inspirés. Durant le romantisme, il va y avoir un passage, les artistes vont se libérer des contraintes de l'imagination d 'un enfer noir, qui vise à susciter la peur et d'un diable malveillant pour aller vers plus d'imaginaire et une nouvelle représentation de ces thèmes. 

Ranihei
II Des mœurs qui se libèrent : une nouvelle perception
A) Un enfer paradisiaque 
Blake « Le cercle des Luxurieux »
Blake est un peintre, graveur, poète et théologien anglais né en 1757 et mort en 1827. C’est un artiste victime d’hallucinations lui donnant une perception du monde différente, notamment la perception de la religion. En effet, il pense que toutes les religions sont fausses, pour lui, Satan est un bienfaiteur donnant à l’Homme la connaissance du désir et du sexe. Lui et Dante Alighieri sont deux poètes qui se sont « rencontrés » par John Linnell, qui commanda des illustrations à Blake des écrits de Dante créant ainsi « La comédie », qui s’appellera par la suite « La divine comédie ». Blake réalisa dans les derniers moments de sa vie, 102 illustrations pour l’œuvre de Dante qui nous décrit à quoi l’Enfer, le Purgatoire et le Paradis peuvent-ils ressembler. Les illustrations de Blake sont des esquisses au crayon et aquarelle achevées dont 72 feuilles sont consacrées à l’Enfer. C’est un sujet nouveau qui est abordé : comment est l’Enfer ? Les deux artistes ne décrivent pas cela comme une atrocité ou un supplice, ils abordent ce sujet avec une certaine objectivité, expliquant que chaque être a une place, Enfer, Purgatoire ou Paradis. Selon Dante, tout dans ce monde est bon car cela a été créé par Dieu (pourquoi Dieu créerait quelques choses de mal ?), l’Enfer ne représenterait que la privation du bien destiné aux personnes refusant la perfection. Blake illustre les écrits de Dante avec fidélité, nous faisant pénétrer dans cet univers visuellement comme psychologiquement.
Cette première œuvre est une aquarelle, Là, pris dans la tempête infernale de leurs sentiments et regrets, se lamentent tous ceux qui ont abandonné leur raison aux tourments de leurs appétits charnels, on y voit Didon, reine de Carthage, « qui se tua par amour » lorsqu’elle fut abandonnée d’Enée après avoir elle-même trahi la promesse de fidélité qu’elle avait faite à son époux défunt Sichée ;
Cléopâtre, reine d’Egypte, maîtresse de César puis d’Antoine, Achille, piégé par son amour pour Polyxène ; Et Lancelot le preux chevalier éperdu d’amour pour l’épouse de son Roi.
Dante et Virgile à la porte de l'enfer
La peinture nous montre 2 personnages se tenant la main sur le seuil d'un immense passage, ils se dirigent vers des sortes de collines avec des stalagmite, ils sont entourés par la végétation. On passe de la végétation à un endroit qui ressemble à une grotte. Les couleurs sont plutôt lumineuses grâce aux touches de peinture blanche. La végétation est verte, on a une inversion du bleu et du rouge avec les tenues des personnages et le fond, les couleurs ne sont pas agressives, ce sont des couleurs pastelles et neutres. Ils montrent l'enfer en levant leurs mains, il n'y a pas d'expression de peur ou d'angoisse sur leur visage, ils sont emprise à une certaine sérénité. Collines représente une idée de monter. Cela contraste avec les anciennes représentations qui montraient un enfer sombre, sous la terre, qui descendait, avec de la lave et des flames. Même les faisceaux lumineux montent, comme les bras en l'air du personnage. Cette représentation de l'enfer est méliorative. 

Léa 
Le trésor de Satan, Jean Delville, 1894
Jean Delville est un peintre, poète et professeur de l’académie des Beaux-Arts de Bruxelles, né en 1867 et décédé en 1953. Il était au départ un peintre très réaliste. Cependant sont travail a évolué laissant place à son imaginaire. Nous avons ici, une œuvre nommée « Le trésor de Satan » datant de 1894.
Ce tableau nous montre des âmes prises dans les tentacules de Satan, d’où son titre : « Le trésor de Satan ». Les pêcheurs ne sont pas réellement punis ici, Satan les retient pour empêcher leur évolution spirituelle et par conséquent, leur chance d’aller au Paradis. Leur damnation est représentée par les profondeurs de la mer. Satan est représenté beau et gracieux avec une silhouette humaine (une nouvelle vision de lui), une chevelure rebelle et des tentacules rouges et énormes au lieu d’ailes. Un genre de drap entoure son bras gauche entraînant des hommes et des femmes inconscients vers lui. C’est une représentation très sensuelle de l’Enfer, dépourvus de toute agressivité avec des formes imaginaires, des couleurs chatoyantes mêlant le rouge, le vert, le beige. 
Cela laisse au spectateur une vision nouvelle du « Dieu des Enfers ». Les âmes semblent apaisées sans aucune crainte, l’Enfer est un lieu agréable. Delville a une certaine fascination pour la décadence et l’érotisme créant ainsi cette image nouvelle du Diable.
On peut constater que l’image du Diable s’adoucit de plus en plus, montrant l’évolution des mœurs. Artistes et spectateurs acceptent peu à peu une image positive de l’enfer et non plus un lieu de souffrance éternelle.

B) Dali et sa vision des enfers 
Emma 
Au bord du 7ème Bolge et les Limbes 
Salvador Dali, est un peintre, sculpteur, graveur et écrivain Catalan né en 1904 et mort en 1989. Très jeune, l’impressionnisme l’effraya le conduisant à quitter sa ville d’origine Figueras pour recevoir une éducation à Madrid. Il devient alors un artiste de grande renommée et l’un des principaux représentants du surréalisme. Sa renommée lui permit de réaliser une commande pour le gouvernement italien, qui est celle d’illustrer la réédition de La Divine Comédie pour 700ème anniversaire de mort de Dante Alighieri. Il réalise alors 100 estampes polychromes sur bois représentant l’Enfer, le Purgatoire et le Paradis. Dali représente ces univers grâce aux écrits de Dante, cependant il a une interprétation bien différente de celle de Blake par sa technique, sa vision.
Les corps s’entremêlent avec des torsions irréelles cassant toute la fluidité de la lecture. Le spectateur passe d’un corps a un autre sans s’en rendre compte. La lecture est difficile. On aperçoit des membres, des corps sans formes, mais des visages terrifiant, l'enfer est représenté par des corps et non plus par un lieu.  Il est incarné dans ces formes presque morbides.
Marine
Nous avons ensuite deux séries de quatuor
1 on peut voir aux deux premiers plans des rocher l’un de taille moyenne et l’autre de taille immense, dernier eux se trouve dans l’axe un homme recroquevillé surplombé d’ombre qui se reflète dans le premier plan 
2 un ange rachitique dont la tête est baissée, son buste a été remplacé par 5 tiroir de différentes tailles tous ouverts et vide
3 deux silhouettes colorées se trouve devant une silhouette uni orange
4 deux pèlerins par leur vêtement nous font dos et regarde deux têtes à forme humaine c’est le premier de la série qui est aussi riche avec un fond et un dégradé de couleur 
5 un squelette en position chevaleresque tend son propre crane 
6 deux visages sont fondus sur le rebord du rectangle au fond se trouve une ombre 
7 deux personnages vêtues de toges vertes t rouges regarde comme ce qui semble être une étoile filante tout le tableau est élancé et s’organise autour de l’objet volant non identifier 
8 un homme est à genou dans une robe orange il a sur la tête une couronne d’épines et regarde la fumée qui se trouve face à lui.  
Ses 8 œuvres de Dali nous présentent tout une vision de l’enfer et du purgatoire
Malgré des couleurs tendres et pastelle Dali nous donne à voir des corps squelettiques élancé voir même effacé, côtoyant des formes amples par les vêtements 
On peut voir dans son interprétation un contraste entre le fond et la forme du sujet 
Les couleurs si elles ne sont pas neutres, elles ne sont pas pour autant criarde, cette certaine douceur dans la colorimétrie contraste avec la forme choisie des sujets des visages qui fondent ou encore des cranes. 
Léa
Des plus ses œuvres se font écho entre elles. En effet on peut voir des paires apparaître, de généralement deux ou trois peintures qui se font écho. Par exemple, la 1-2, on observe le même camaïeu de couleur, le beige comme couleur dominante. De plus la manière de traiter les sujets sont plus ou moins ressemblant, notamment dans le tracé qui semble plus précis que celui des œuvres 3 et 7 qui semble beaucoup plus flou ou brouillé et dont les couleurs sont beaucoup plus vives. On observe ainsi une différence de traitement, certaines œuvres semblent alors plus sujettes à l’abstraction que d’autres. Dali apparaît alors dans toute sa complexité d’artistes, en proposant à la fois contraste et ressemblance dans son œuvre.
Ranihei
Dali et ses œuvres se trouvent entre la représentation négative des enfers, avec la représentation de ses personnages et avec la représentation plus moderne comme celle de William Blake avec un enfer qui semblerait presque agréable, avec le choix des couleurs utilisées 
Dali se place en transition de deux visions antagonistes de l’enfer. 

B) Un diable humanisé 
Emma
"Lucifer, 1890, Franz von Stuck un peintre", sculpteur, graveur, symboliste et expressionniste Allemand ayant vécu de 1863 à 1928. Dont nous avons parlé précédemment avec l'œuvre "d'Eve et le serpent. "
Cette œuvre est frappante par rapport aux 2 yeux luisant dans la pénombre qui nous regardent, un filet de lumière vient s'écraser sur la roche. Homme fort, pose d'un animal à l'affut de sa proie, il est assis de face, des ailes dans la pénombre qu'il ramène vers lui. Lucifer chrétien, le porteur de lumière d’Isaïe, l’ange déchu en raison de son orgueil et de sa défiance envers Dieu son créateur. En bon représentant du mouvement symboliste. Attributs traditionnels des ailes, et traduit habilement la déchéance du porteur de lumière, par la chute de la lumière elle-même au fond de cette caverne où il s’est vu relégué plus bas que terre.
 L’épaule de son bras droit opère une torsion qui n'est pas impossible mais surprenante, peu élégante pour une peinture de l’époque. On peut d’ailleurs observer au-dessus de ce bras que la couleur est légèrement différente sur une étroite bande, comme s’il avait décidé de repeindre le bras plus bas. Et la gravure qu’il en dessinera nous montrera cette épaule encore plus basse.  C’est dans l’étrangeté de cette simplicité apparente que réside une part du malaise provoqué. Lucifer est dépeint comme l’homme que l’on peut croiser n’importe quand et n’importe où, néanmoins des détails comme l’absence d’iris et sa couleur jaunâtre sont inhumaines. Ces yeux qui sont les seuls éléments vivants de ce corps de pierre, que l’on pourrait imaginer nous attendre ainsi, fixe. 

Marine
L’image du diable après s’être féminisé particulièrement dans la peinture et l’image des enfers s’être en quelque sorte adoucit nous allons maintenant voir comme l’image du diable a pris une apparence plus humaine dans la sculpture.
Nous allons faire pour cette partie l’étude d’un artiste prolifique pour la représentation du diable
Il s’agit ici de jean jacques Feuchères né en 1807 et mort en 1852, fils de ciseleur il est de son métier sculpteur et médailleur, une partie de ses sculptures se portant sur le sujet du diable 
En 1833 il créé un bronze taille réel intitulé Satan, ici la forme humaine est représentée du moins pour l’aspect général. Pour ce qui est des détails ces pieds sont pourvus de griffes et son visage est déformé avec des cornes, il semble réfléchir. Selon les copie il tient dans sa main une sorte de pieux, et la même année il termine un vase sur lequel le diable va influencer, on peut voir que le petit diable tire l’embouchure du vase jusqu’à le déformer, montrant peut-être l’influence de cette être 
Il reste une œuvre qui pourrait être assimilé au diable par son titre tout d’abord qui est le génie du mal incarné mais aussi par son aspect, cette statue de marbre est plus fidèle aux textes religieux. Dans la Vulgate (première traduction de la Bible en latin par saint Jérôme), il est la transcription du mot hébreu Heylel en "Astre du matin" (planète Vénus). Lucifer était le plus beau des anges.
On peut voir que ce marbre est u apollon enchainé et ailé, et juvénile. Ce qui nous trahie son identité se sont les toute petite corne présentent dans la chevelure.
L’évolution de la sculpture démoniaque est allée de la figure classique du démon à peine humain, à une représentation presque idéale d’un homme. Le diable prend des traits de plus en plus humain et de plus en plus doux.  La représentation du diable par le biais de la sculpture peut rendre un personnage encore plus humain, par le fait qu'il s'incarne dans le corps d'un humain en 3 dimensions et par sa taille humaine, le réalisme de ces corps, de sa musculature, de ces tendons et enfin l'expression soucieuse de son visage avec ces rides sur son front intensifient le caractère mortel du personnage, seule ses ailes l'entourant reviennent nous rappeler qui il est vraiment.

"Jean-Jacques Feuchère, Satan, 1833
Jean-Jacques Feuchère, Satan Paire de vases aux chauves-souris, 1833
Guillaume Geefs, le génie du mal, 1848 "

Conclusion :
Nous avons donc pu voir au terme de cet exposé que la vision du diable est versatile et qu'elle a beaucoup évolué au travers des siècles. Ce nouvel art s'est diffusé grâce à des artistes célèbres comme Delacroix et Gustave Doré. On l'a détourné de son but pour en faire un objet d'art et de fascination. Qu'il soit associé à la femme, diabolisé ou humanisé il reste pour autant la figure du mal.
Pour ce qui est de l'enfer qui était sombre, destiné aux âmes damnées et qui était un lieu de terreur, il s'est émancipé des codes Moyenâgeux pour parvenir à une représentation plus moderne avec une connotation méliorative et lumineuse.
Ouverture : 
Les artistes plus modernes comme Klimt ont détourné sa fonction, il s'est transformé en un monstre poilu entouré de femmes nues, sous divers avatars comme dans cette œuvre majeure, c'est devenu un animal docile, on a un inversement des rôles, avec une image positive. La couleur dorée et la sensualité et la douceur des personnage féminin entourant cette bête mélangent les rôles et on ne distingue plus vraiment le bien du mal.
Paul Freyr est un artiste moderne qui utilise la cire et le modelage.  A réutiliser les caractéristiques du diable et en a fait un personnage démuni, emprisonné dans des lianes, agonisant, on dirait un état de momification ou de décomposition avec cette couleur marronne et ces os presque à vif. Ces ailes ont perdu ses plumes. Il reste un diable effrayant. Sa place dans une église reste néanmoins étrange.

Paul Freyr "Lucifer"
"Le Diable est toujours vivant ! (1902). "Klimt
Et peut-être le diable qui devient un héro avec la série américaine Lucifer